魂飞目断的法语

这里推荐刘慈欣的《三体》

这个问题问得真好。

回答道现在终于有个专业的问题了。> <

阿阿~好难回答哦。

其实也不难，只是比较难表述。

这样吧，你随便拿些看看做个比较。

比如：美国的《oklahoma》，英国的《理发师陶德》（要舞台版的哦！）

十七岁的单车

导演: 王小帅

编剧: 唐大年 / 徐小明 / 焦雄屏 / 王小帅

主演: 崔林 / 李滨 / 高圆圆

上映年度: 2001年02月17日

语言: 中文普通话

官方网站: http://www.mov6.com/title/tt0276501/

制片国家/地区: 中国

又名: Beijing Bicycle(2001)

剧情简介 · · · · · ·

十七岁的农村少年阿贵（崔林）在北京找到一份送快递的工作，因为得到许诺，当他赚到六百块时可以拥有公司暂借他用的银色变速越野车，他每日工作都很勤恳，可是就在梦想即将成真时，单车丢了，阿贵陷入绝望。

小坚（李滨）是和阿贵同岁的北京少年，但因家庭的贫困，他在维系骄傲时又常自卑。继父屡次三番将许下他一辆单车的承诺食言后，小坚为在同伴面前挣面子和泡马子（高园园），从家里偷来钱买了一辆二手车，不想此车正是阿贵所丢。阿贵发现他赖以生存的单车被小坚“盗”去后，开始不计代价拼命讨回，两个少年为守护自己的简单梦想发生争斗。

评论

　　在一个小网吧里，我看完了这部关于青春的电影。　

小贵的车被小偷偷了，小偷把它卖给了二手商（他不一定知道是偷来的赃车），二手商把它卖给了小坚，小贵想要回被小坚买下的车。我倒是很想从法律的角度去解读这个车到底该怎么处理？尤其是在小偷找不到的情况下。显然导演是用的一种相对客观的手法记录了车的一种理所当然的处理方式，而且这车从法理上到底归谁也不是本片的主题，本片的道德尺度不在于此，但我就是想明白一下这个理。呵呵。

只是为了一辆几百块钱的自行车，一个失去了生活来源，一个失去了心爱的女孩；这似乎是一个隐喻：小贵失去的是吃饭的机会，是“食”，小坚失去的是自己的初恋女友，是“色”；这真是莫大的悲伤，因为这个结果触动甚至毁灭了人类本性中最原始的最初的需求。

在小贵的幸福还没有来得及释放开来的时候，他的车子丢了；这成就了另一青春少年小坚的梦想，可是当小坚的喜悦还没有来得及完美展示的时候，车子也丢了。

作为中国人最普通的交通工具，这辆显得有些过分漂亮的自行车不仅联络起了整部戏，而且成为了两位男生追求身份认同的象征，是影片计算到位的一笔。而两人那两身显眼的制服（快递员服和校服），更易让人理解两人处境的殊途同归。

或者青春本身就是一场血腥得让人笑不可支的闹剧，他们的愿望和坚持如此脆弱，徘徊在成年的门外，被突如其来的粗暴推倒，磕在了门槛上，马上跌得粉碎。在没有退路的失望和绝望中，小坚和小贵分别在不同的时刻举起了板砖，给予了最后一击。但一切已然不能挽回。小坚遍体鳞伤躺在原地，小贵扛着彻底坏掉的自行车走出了镜头，他们曾经交叉的命运走向了分岔路，没有人知道那条路通向什么地方。

小坚的美女朋友放在片中的一群女高中生里怎么都显得太出众了，她怎么喜欢上灰不溜秋的小坚就是个问题，后来又怎么跟上了一个有点混混味的大欢就更莫名其妙了。小贵朦胧中的小保姆一方面是导演设置的城市农村人的一个符号，一方面预示着小贵对爱情的感觉。但怎么看怎么让人感觉她成了一个道具而不是一个配角。远远望见周迅饰演的小保姆时没有说出来的萌动，那些被删去的段落里留下的情感的痕迹，残留在阿贵和周迅眼神交汇的一刹那（我观看的即是108分钟的删节版）。

仅仅有一个理由去为这部电影的失衡辩护：青春本来就是失衡而不着边际的，而我们在面对青春与年少的时候，都会象王小帅一样的沉不住气。这一切的一切，都是应该被原谅的，因为我们的青春，已经过去了；因为我们的初衷，总是在改变的；因为记忆与记忆中的女人，都仅仅是美丽的。

王小帅数度运用远景去表现情节，最有张力的一段莫过于镜头在胡同里远远望着小坚拦住已经移情别恋的女孩，他既没有站在同情的立场上看待影片中的人物，也没有意图让观众对人物产生任何情感。几乎所有的镜头都是平视和稍有仰视的，王小帅的视点也是以旁观者的视点出现，一共两次特写，其他时候都是处在局外，没有什么太大的感情色彩，两场打人的高潮戏都显得冷漠和克制。

我一直不解的一个问题，板砖在皇城根胡同底下长大的孩子来说真的是青春期的一个象征吗？无论是姜文1970年代的北京、还是路学长1980年代的北京、或者王小帅1990年代的北京里，板砖都在青春期里有着一种不可取代的地位。这至少是我的青春期里没有出现过的东西，只是敲核桃用得着。

或许我们每个人的青春都像那辆自行车，充满了气，激昂的期待每一次出发；然而当生活打烂了它的骨架，砸扁了它的轮胎，青春就和那自行车一样彻底报废了，再也无力前行。最后，除了成熟，我们别无选择。

青春，只为了这两个字，就构成了热泪盈眶的理由。我怎么能忘记那些尖叫，那些因为一再被掠夺而惊惶愤怒的面孔。我想起我曾经目击的那些少年，以及我正在消极消耗永不复返的青春，一切只为了证明：远方除了远方，一无所有。我不能从这一秒开始倒退行走，倒回过去，回到我仓皇流离、目光迷惘的十七岁，我们只能和我们的主角一起，按照正常时序跌进成年的门槛，被剥夺一空；弦断了，歌停了，轮子折了，车毁了，开始疯狂成长。

本片为台湾著名电影学者、影评人焦雄屏经营的吉光电影公司出品的“三城记”系列电影之一。“三城记”系列电影结合两岸三地新锐导演，共同拍摄六部影片，希望为二十一世纪华人新社会树立新形象，以别于上一代华人电影注重悲情及历史回顾。另五部影片为台湾导演林正盛的《爱你爱我》、易智言的《蓝色大门》、徐小明的《流浪到淡水》、以及国内导演贾樟柯的《上海宝贝》和香港导演余力为的《人民找换》。

王小帅用灵巧的笔法描述了一种无法回避的现实状态，在我们生存的这个空间里，永远都有关于身份认同的追逐和焦虑，他把镜头对准了这群被这个城市遗忘的人们，轻易获得了与青春期无关的认同。王小帅告别了形而上和形而下的冲突，开始试图进入平民的核心。

片子的配乐只有两段，不多而显得简洁又恰到好处。头尾用了一段长笛。片中在奔跑和飙车时总会出现另一段有鼓点的音乐。处理方式类似于《阳光灿烂的日子》里的《乡间骑士》。

片子台词里一次出现了“张艺谋”、一次出现了“秋菊打官司”。不知王对张的态度是个啥样。还有北京人把bicycle叫自行车，片子里也通篇用的是这个词，片名却用了单车，用意是什么？或者仅仅为了一个噱头？

小坚初吻来临前树叶间隙里洒下的阳光那幕让人激荡，小坚向小贵伸出手互赠姓名那幕让人释怀。小贵那最后一击，包含了太多。

影片沉闷，语言少，背景音乐低。人们全部在低沉的环境里思考和说话。而主人公没有名字。他们孤独的面对了困惑和理想。沉闷，而观众们却在沉闷的气息中酸楚的看完所有情节，感受到暗藏的涌动与激情，也感受到主人公身上那些属于自己的影子。　

影片在讲述十七岁的矛盾，彷徨，爱情，生活，理想，对现实的理解，对社会规则的模糊，对利益冲突的解决。每个人都会发现自己的影子在里面漂浮，那些曾经的年轻岁月在漂浮，那些仓促的回忆在漂浮。为了得到一辆单车这个简单的理想，我们努力实现，用我们确定的方式。然后用我们的方式解决遇到的问题和争端，两个十七岁的孩子分别从不同的地方用不同的方式来达到他们相同的理想。同时，爱情和现实，炫耀和成长，我们都必须一一的认真面对。还有城市的诱惑，对成人世界的理解。这些都让我们在沉默的表象下涌动，青春的涌动被我们克制。而成年人，像那个公司的老板，他只是用一句我靠，来表示对我们理想的执着的惊讶。

只有心酸在一直跟随着情节蔓延，在心底悄悄散开。那些沉闷的画面下面，是青春在不断涌动。谁都记得自己十七岁的时候那些暗自澎湃的激情，在冲动和理智之间彷徨的脚步，在现实和理想之间妥协的态度。十七岁的时候我们用简单的方法解决自己的问题，用自己的标准来衡量错对，来衡量成熟和幼稚。我始终难以忘记那些平淡的画面，城市学生建和他爸的争吵，而农村孩子贵默默的推走单车；还有建拿起砖头慢慢的跟随着女同学和青年；贵紧紧抓着单车在建等一大群学生中间嚎叫；建和贵不断的骑着单车或者用脚奔跑。这些画面，是影片关于青春的有力见证。　

青春就在奔跑和彷徨中行进，激情有时战胜了理智，孤独的心情随处可见。建终于一砖头砸向了青年的头，而贵却对小保姆耿耿于怀，建对家庭，对父亲和另外两个陌生的家庭成员的困惑，贵却为了单车搜寻奋斗，在人群涌动的立交桥下擦汗。这些画面无序的出现，表现着烦闷青春同样的无序和混乱，沉闷的延续，低沉的拥挤。还有对女同学的爱慕，犹豫而胆小的追求方式。努力压制心中的冲动，更多的事情让我们困惑。琐碎的理想却在心中牢牢占据，这就是我们的青春时光，我们用吸烟和冷漠来展示成熟的时光。而我们在这段时光里只是不断的奔跑，拉开衣服，肆无忌惮的，像广告画上那个少年一样微笑或者仓皇的奔跑。　

影片一直在低低的讲述，追求女孩，打架的远镜头出现。孩子们用自己的方式解决了利益的冲突，一人拥有单车一天。他们每天准时交换。而最后城市孩子伸出手去的那个动作，是孤独的青春寻求援助的声音。除此之外，我们还不断的看到奔跑的时候，那些老人们安详的观望，他们平静的看我们青春的闹剧，不说一句话。他们也许在怀念他们自己的青春，也许他们知道我们终将靠自己成熟起来，无需提醒，终将成熟。　

终于，青春在打斗中渐渐远走，伤痛不可避免的发生。醒来过后，我们开始成长，开始懂得一些世界的规律。我们开始知道自己的渺小，知道某些成年人的游戏规则，开始站起来，同时继续生活。只是青春，青春的激情和冲动，青春的彷徨和困惑，青春的引诱和挑逗都在渐渐远去，离开我们的身体，离开我们正改变着的思维。一切重新开始，青春嘎然而止。　

有没有看到最后，农村孩子缓慢的走在大街上的身影？那是我们在成熟之后，扛起变形的理想，继续行进在茫茫的人海之中。

初学者怎样学习写诗呢？

一、捕捉和创造诗的形象

（一）诗用形象思维写作

别林斯基早就指出：“哲学家用三段论法，诗人则用形象和图画说话，然而他们说的都是同一件事。”（《一八四七年俄国文学一瞥》）这就告诉我们，写诗要用形象思维。所谓用形象思维，首先指的是深入生活时，要对生活进行形象的感受，形象地体验生活、观察生活、分析生活。

进行形象思维，要在形象感受的基础上，善于进行形象的捕捉。艾青指出：“形象思维的活动，在于使一切难以捕捉的东西，一切飘忽的东西固定起来，鲜明地呈现在读者的面前，象印子打在纸上样地清楚。”因此他说：“写诗的人常常为表达一个观念而寻找形象。” 能捕捉到新颖的形象，也就有了写诗的素材。那么怎样才能捕捉到形象呢？这就要靠灵感。马雅可夫斯基举过一个捕捉形象的例子：大约在1913年，他从萨拉托夫回到莫斯科。

为了对一个在火车上同路的女人表示他对她完全没有邪念，诗人就说道：“我不是男人，而是穿着裤子的云”。说了这句话之后，他立即考虑到这话可以入诗——但他又担心这句话口头上传出去白白地滥用掉了。那怎么办呢？他十分焦急，差不多有半小时，诗人用许多问题问那少女，直到他相信自己的话已从少女的另一只耳朵飞了出动之后，他才放心。两年之后，他用了“穿裤子的云”作为一首长诗的标题。

（二）诗是“想象的表现” 亚里士多德说：“诗需要一种特殊的赋予，或其人有疯狂的成分，或者使他容易想象所要求的神态。”雪莱：“一般来说，诗歌可以解作‘想象的表现’。”布莱士列特：“诗歌是想象和激情的语言。”别林斯基：“在诗中想象是主要活动力量。创作过程只有通过想象才能完成。”艾青说：“没有想象就没有诗”，“诗人最重要的才能就是运用想象。” 诗人的想象和科学家的想象不同。培根指出：“诗是一门学问，在文学的韵律方面大部分有限制，但在其他方面极端自由，并且和想象有关系。想象因为不受物质规律的束缚，可以随意把自然分开的东西联合，把联合的东西分开。这就造成了不合法的配偶和离异。”雪莱也说过：“诗使它触及的一切变形。”安徒生在他的童话《创造》中写道：一个爱写诗的青年人，因为写不出好诗来而苦恼，于是去找巫婆。巫婆给他戴上眼镜，安上听筒，他就听到了马铃薯在唱自己家庭的历史，野李树在讲故事，而人群中，一个故事接着一个故事在不停地旋转。这里说的其实是，要做一个诗人光凭常人的听觉还不够，还得有诗人变形的眼镜和听筒。所以，我们写诗，既要对生活特征观察得很精确，而同时又不缺乏把这些特征加以变化的勇气。由于变形，诗的形象往往具有象征的意义。例如臧克家的《老马》：

总得叫大车装个够， 这刻不知道下刻的命，

它横竖不说一句话， 它有泪只往心里咽，

背上的压力往肉里扣， 眼里飘来一道鞭影，

它把头沉重的垂下！ 它抬起头来望望前面。

这里写的并不仅仅是一匹可怜的老马，而主要是写三十年代北方农民忍辱负重、坚韧不拔的精神素质。“老马”是个有象征意义的形象。

（三）诗歌形象的创造马雅可夫斯基在《怎样写诗》中对青年作者说：“应该使诗达到最大限度的传神。传神的巨大手段之一是形象。”艾略特认为，创造形象就是“寻找思想的客观对应物。”具体方法很多，例如：虚与实转化；人与物转化；物与物转化；内与外转化；大与小转化；远与近转化；少与多转化；部分与整体转化；历史与现实转化；现实与未来转化等。

需要强调的是：诗中的诗人形象和景物形象都是为表现情感、情绪、情趣服务的。诗的情感性重于形象性，离开抒情需要去胡乱堆砌形象，只能损害诗歌。

二、巧妙地进行诗的构思

（一）诗的灵感

构思是诗歌创作过程中一个最重要的阶段。构思是什么引起的？简单的回答是：创作的冲动——灵感的爆发。

艾青说：“所谓‘灵感’，无非是诗人对事物发生新的激动，突然感到的兴奋，瞬即消逝的心灵的闪耀。所谓‘灵感’是诗人的主观世界与客观世界最愉快的邂逅。”（《诗论》）

对于一首诗来说，灵感是因；对于客观世界而言，灵感是果。由客观世界获得灵感，由灵感开始创作。这是诗人写诗的过程。在“灵感”爆发之后，创作就进入具体的构思。

（二）诗的构思诗歌构思十分重要。诗人郭小川在《谈诗》中说：“诗是要有巧妙的构思的。”“你提到了构思，我觉得这是抓住了关键的”。关于诗的构思的内容，黑格尔在《美学》中指出：“首先关于适合于诗的构思的内容，我们可以马上把纯然外在的自然界事物排除在外，至少是在相对的程度上排除。诗所特有的对象或题材不是太阳、森林、山川风景或是人的外表形状如血液、脉络、筋肉之类，而是精神方面的旨趣。诗纵然也诉诸感性观照，也进行生动鲜明的描绘，但是就连在这方面，诗也还是一种精神活动，它只为提供内心观照而工作。” 什么是诗的构思方式呢？诗的构思方式是内心体验。黑格尔说：“诗既然能最深刻地表现全部丰满的精神内在意蕴，我们就应该要求诗人对他所表现的题材也有最深刻最丰富的内心体验。”“诗人必须从内心和外表两方面去认识人类生活，把广袤的世界及其纷纭万象吸收到他的自我里去，对他们起同情共鸣，深入体验，使它们深刻化和明朗化。”（《美学》第三卷下册，第54页）所以，诗人写诗虽然“并不是每首诗都在写自己。但是，每首诗都由自己去写——就是通过自己的心去写”。（艾青）遵循这个构思方法，在写作抒情诗时，由于抒情的真正源泉就是创作主体（诗人自己）的内心生活，诗人应该只表现“单纯的心情和感想之类，而无须就外表形状去描述具体外在情境”。（黑格尔《美学》）

诗歌构思的过程包括以下的内容：

（1）提炼诗情。就是从一般感受中寻觅显示一般感受的独特感受，从共同感受中寻觅表现共同感受的具体感受。如艾青的《自由》。

（2）选取角度。抒发诗情应选择合适的角度。一般地讲，有两个大角度，一是直抒胸臆，诗人直接站出来抒情，如闻一多的《口供》。用这个角度写诗，应忌空泛，要创造出鲜明的个性化的诗人形象，否则容易直露。另一个角度是象征寄托，借物寄情，借人表意，借景写感。如前边提到的臧克家的《老马》。

（3）布局谋篇。诗的开头、结尾怎么写，各部分之间如何组成有机的整体，需要认真考虑。这就要思索：在这首诗中，我用什么把诗情串连起来？一般抒情诗，“总是以情绪（感情）的变化的层次来贯穿的。”（郭小川《谈诗》）

（4）锤炼语言。语言是诗的表现的最重要因素。在构思过程中极为重要。我们将在本章第三节作专门的研究。

写诗应该重视诗歌构思的技巧。郭小川主张：“没有新的构思，没有新的创造，就不要动笔”。因此，构思必须做到：新、奇、巧。总结前人的经验，有一些技法是可以借鉴的。

如：象征构思，辐射构思，“道具”构思，借代构思，命题构思，矛盾构思，虚拟构思，反意构思，侧面构思，对比构思，对话构思，等等。

诗歌的语言

“诗实际是一种语言”、“作为诗的观念的传达手段，文字这个因素也和用在散文里的表现有所不同，它在诗里本身就是目的，应该显得是精炼的。”“诗也不能停留在内心的诗的观念上，而是要用语言把意造的形象表达出来。在这方面，诗又有两种事要做：第一，诗必须使内在的（心里的）形象适应语言的表达能力，使二者完全契合；第二，诗用语言，不能象日常意识那样运用语言，必须对语言进行诗的处理，无论在词的选择和安排上，还是在语言的音调上，都要有区别于散文的表达方式。”（黑格尔《美学》）

诗的根本语言是意象语言。意象是具象化了的感觉与情思。意象语言具有直觉性、表现性、超越性等特点，它更应该符合诗人主观的感觉活动与感情活动的规律，而不是客观的语法规律。这是诗性语言与实用语言的本质差别。所以，诗歌这种艺术无法以日常实用语言为媒介。

诗人只有对实用语言加以“破坏”、“改造”，如艾略特所说那样“扭断语法的脖子”，才能使之成为诗的语言。为此，作诗必须研究诗的语言修辞，也就是要掌握诗的语言的表现手法。诗的语言表现方法主要有：比喻，起兴，借代，反衬，象征，通感，矛盾修饰，虚实组合等。此外还有其他的一些修饰方法，它们都有助于诗情诗意的表现。习作者唯有通过阅读、研究和多写才能掌握诗的语言修辞技巧。写诗，不仅要重视修辞，还要重视词句锤炼。古今的著名诗人都注意诗句的推敲和锤炼。诗句的推敲，决不是单纯的形式技巧问题，它与诗意、诗味，和表现诗的主题密切相关。像 “黑夜过去了就是光明”这样一个意思，如果平白地直说出来，会令人觉得淡然无味，臧克家反复寻思，最后才把它写成：“黑夜的长翼底下，/伏着一个光亮的晨曦。”

诗歌的语言是最本色的文学语言，有其特殊功能：

A、抒情，接近于描绘功能小的音乐。

B、有机信息系统，一个字，能产生神奇效用。如“朱门酒肉臭”中的“朱门”，成了统治阶级的代名词，有很多含义，还有作者和读者的感受。

C、独立审美价值，可以把玩。小说可以抛开语言，复述故事，而诗歌不能离开语言。

D、总的要求是表现个性的心理感受，具体要求有四：

一是多义性，既有表层义，又有深层义。主要用象征手法。如松梅雪竹、长城、百合花等。传统象征过于理性，形成僵化的套路。还有暗示、双关、婉转等。

二是跳跃性，超过任何文体语言。因为表现心理快速活动。不要任何介词、连词等中介质－－关联词。如“鸡声茅店月，人迹板桥霜”。还可以逻辑混乱，任意交错。如时间和空间交错。如《背时的爱情》中诗人与古代的美人谈恋爱。

三是可感性，要有色彩感、立体感和具体感（化抽象为具象）。诗中有画。

四是音乐性，既有内在音乐性即情绪的律动，又有外在音乐性即声音的回环（押韵、节奏和声调）。对原始感情起一种节制作用。节奏是起决定作用的因素，是事物的节奏和人的生理节奏－－呼吸的调节及运动感觉的反映，是音组和停顿的有规律的安排。一字一音节，有独立意义的单音节、双音节或多音节构成一个音组，每组后面有或长或短的停顿。古诗：五言“二、二、一”。新诗自由开放，独特创造，变化中有规律。

诗歌的音乐性的作用是对原始、粗硬、强烈的感情起一种节制作用，使之转化为一种有规律的运动，加深诗味，唤起读者的审美注意，把一些实用的非诗的想法排开去。

内在音乐性是内心情绪的律动，即高低起伏、长短快慢等。

外在音乐性主要表现在声音的回环上，可以说是一种数的比例关系。主要有:

押韵是使相关诗句末尾一个音节韵母相同或相似。对待押韵应持开放的态度，尊重诗人的艺术追求；只要完美地传达出内在的情感，可有可无。无韵崐诗可以其它手段显示音乐性，如诗行排列。

首先要选韵。同类的韵形成韵部。现在通行的是十三辙，即十三类：中东、人辰、江阳、言前、发花、怀来、灰堆、遥条、油求、梭波、一七、姑苏、乜斜等。每个韵部发音部位、开口程度不同，音调音域也不一样。有的响度高，昂扬、亢奋，如江阳、发花等。有的响度低，苦闷、沉重，如灰堆、一七等。要因情选韵，因情变韵。

其次是转韵。较长的诗，情绪流动变化，这就要在语音形式上体现出来。如果一韵到底，易于给人单调、疲劳之感。转韵可以使文气一振。如《春江花月夜》，四句一韵，流丽婉转，委婉缠绵。

再次是押韵方式。主要有连句韵－－每行都押、隔句韵－－古代就有“一三五不论，二四六分明”的要求、随韵－－两句一换如信天游、交韵－－第一行和第三行押韵、第二行和第三行押韵等。其它还有抱韵，第一行与第四行押韵，第二行和第三行押韵。这是西方十四行诗的正宗韵格。

声调 发音过程中音高和音长的变化。沈约《四声谱》最早研究这个问题。新诗只能注意而已。特别是在朗诵诗歌需要时。

节奏 本是音乐术语，是诗歌外在音乐性中起决定作用的因素。在大自然和生活中，任何事物都有节奏。诗歌的节奏是事物的节奏和人的生理节奏－－呼吸的调节及运动感觉的反映。

诗歌节奏是音组和停顿的有规律的安排。在汉语中，一个字一般是一个音节，有独立意义的单音节、双音节或多音节构成一个音组，每组后面有或长或短的停顿。

古诗的节奏：五言“二、二、一”；七言“二、二、二、一”。

新诗的节奏：自由开放，独特创造；每行大致相当，变化中有规律。

诗歌的分行

新诗没有古诗词的固定音乐规定，引进西方分行，加强节奏感和旋律感以达到音乐性的效果。

A、分行适应诗情而长短、疏密、参差。诗行遵从诗歌内在律－－情绪节奏，其外形是将内心情绪视觉化展示出来的结构形式。惠特曼表现开国时开拓豪放、自由浪漫的情感，诗行很长，犹如新大陆疆界的广阔苍茫。马雅可夫斯基表现了十月革命的剧变，诗行呈现楼梯形，起伏大，参差不齐。

B、诗行运用省略、跳跃，随意性较大，产生新的结构意义。如上下诗行并置产生新意：“朱门酒肉臭，路有冻死骨”。

C、分行把视觉间隔化为听觉间隔，显示节奏。这是在阅读中产生的效果。连在一起读就无法显示节奏。

D、分行引起审美注意，让人用诗的心理来欣赏。

要求：

A、注意行与行有机组合。关键是跨行－－一句话占两行以上。这是为了让人停顿，集中注意力去欣赏下一行－－强调最有价值、最光彩的语言。

B、分行是发展变化的，应有独创性。如传统的情绪图案，变为象形图案和会意图案。

C、分行更重视诗的视觉效果，从“听觉艺术”变为“视觉艺术”。这是因为新诗内在的复杂性和多层性，难以直接通过朗诵来表达，只能用文字排列来保持诗意。卡勒（美）认为，一段文字是否是诗，未必取决于语言本身，而是取决于文字排列即视觉形式。

诗歌的模式

【象征模式】

这一模式可以说是诗歌的传家宝，又称多层式：在文字符号的视觉层面上给人以形像，同时在联想的深层给人以意义(某一实体事物或精神内容) 尽可能无限的概括和包涵。象征体是表层的、明晰的，甚至可能是被传统理性所规定的，如梅兰松竹、长城等。而被象征的本体却是隐蔽的、模糊的。两者关系要有任意性，便于发挥创造性。天才诗人把表面上风马牛不相及的内外意象通过类似联想起来，形成令人称奇的构思。关键是抓住两者之间共同点，而其它属性相距越远越好。

中心方法是选择形象，形成象征意象。意象，又称艺术形象，可以说是构成文学艺术大系统的细胞。意——人的意识(包括情感。从根本上来说是人的审美需要和认识需要)，最终在文学艺术上表现为作者个体生命的投射和表现。象——客观事物，外在于作者，但最终为作者生命本质所对象化。两者结合为意象，而两者成分的多少及关系的隐显疏密等造成了两种基本上的文艺创作方法，即重意的浪漫主义和重象的现实主义，也成为表现论和反映论的渊源。象征意象比一般意象来说，有特定的要求：成为全诗的中心形象。最佳象征意象，其涵义是无限的，尽可能表现作者内心世界，成为一个艺术个性的宇宙。

一般来说，这类诗歌标题就写出了象征体(甚至是人物)。但是，内层的本体即作者个体生命的感受才是诗歌真正要写的。

【横断模式】

这类诗歌截取一个生活片断或者意识片断，描写一系列形像，或者使用一系列比喻，以抒发作者感情，表现作者的意识。许多写景诗正是这样。要尽可能创造意境。如杜甫的《春望》。

【纵贯模式】

这类诗歌以作者观察点的推进为线索，随着时间的推移或者空间的展开，把所见所闻所感触融成一体。如贺敬之的《回延安》。这类诗歌一般较长，多是叙事诗。

【升华模式】

这类诗歌一般分为两部分，前边是较平缓的铺垫，后边翻出新意，造成引人注目的突进，使情思与意境升华到一个新的高度。 “言志”的旧体诗词大都采用这种模式，前边写景，情景交融，后边写“志”，志中有情。如毛泽东的《沁园春.雪》。

【串珠模式】

这类诗歌由几个并列的相同结构并有部分相同诗句的部分组成。反复咏叹。《诗经》较多这类诗歌。

【自白模式】

直接抒发感情，使用论断式的议论，又称议论模式。渊源流长，浪漫主义大都采用抒情化议论，即自白。政治诗、哲理诗许多属于这种“传统自白”。这种自白不容易写好，首先作者必须达到一个时代最高层次的认识及体验的水平。在西方现代派中，惠特曼的《草叶集》承前启后，大量使用自白，以至于美国诗歌自50年代后以艾伦·金斯堡的《嚎叫》为代表，形成了自白派，占据主流地位。我国80年代“第三代”诗歌大部分都属于“自白”诗。与前期浪漫主义自白不一样，当代诗歌中的自白可以称为“反传统的自白”：有意摆出反传统——反对文化、审美、个性、理性乃至诗歌自身的架式，其实不过将题材限定在个人生活体验主要是本我感受的圈子里。多用第一人称，不拘格律，以日常口语袒陈自己对生活的感受甚至隐私，有时触及社会，进行某种程度的批判。“自白”诗歌对语言、形式和意味更加强调，甚至写娱乐性的记录性的诗歌，自称为“玩”诗歌。作为诗歌整体的一种探索，“自白诗”可以说有从社会批判意义转为个体生命肯定意义的历史作用。

【象形模式】

诗行排列成中心形象的形状，成为象形图案。如法国诗人阿波利奈尔的《被刺杀的和平鸽》。又如台湾诗人白荻的诗歌，犹如一幅山水画(诗行从右到左，字词从上到下)，比喻流浪者如远离山林湖水的一株丝杉。

【现代模式】

从西方现代派诗歌移植而来的。在内容和形式上与传统诗歌明显不同，而且认为内容即形式、形式即内容，因此更加重视形式创新。写的是个人与社会、自然、他人甚至自我的分裂和荒诞，反映了资本主义社会高度发展所带来的精神危机、变态心理、悲观绝望和虚无主义。强调表现内心——实际上只是变幻多端，高深莫测的本能(欲望，尤其是性欲) 和下意识。采用的方法主要有：①思想知觉化，即抽象的肉感。把抽象观念和具体形象直接结合， “象你闻到玫瑰香味那样地感知思想(艾略特)”。如诗中的“力之舞”、“意志昏眩”、 “潮湿的灵魂在发芽”。②自由联想。这种联想不是事物本身固有的，为大家所公认的，而是凭个人的直觉和幻觉写出来的联想。如“阳光是从太阳里踢出的足球”。③语言形式随心所欲地变化，用于暗示某一瞬间的感觉、想象和精神状态。

【会意模式】

这类诗歌的一些诗行排列成抽象的图形，显示某种意义趋向。如《太阳下山》后半首的诗行排列，暗示钟声在大风中高低起伏